Arte y Artistas: actitudes y nuevos medios.

Arte y Artistas: actitudes y nuevos medios

                            

Paco Rallo

Artista visual

Conferencia en Sabiñanigo (Huesca)

17/12/2016.

                                                         

Ningún gran artista ve las cosas como son en realidad;

si lo hiciera, dejaría de ser artista.

                                                                                                                          
Oscar Wilde

Esta misteriosa analogía entre obras y artistas separados en el espacio y en el tiempo y, sin embargo, unidos por un imperceptible hilo de afinidades —¿espirituales?—, me ha dado pie a reflexionar, sobre la misteriosa proximidad que a menudo existe entre los artistas plásticos o visuales, aún a pesar de las diferencias de tiempo y lugar. Desde que se forjara hace siglos, Aragón puede presumir de ser cantera de numerosos e importantes artistas y de aportar al mundo relevantes figuras que han enriquecido, y revolucionado en ocasiones, el arte universal. A este respecto, no hace falta que cite nombres por todos conocidos. 

En cierta ocasión, hablando de arte con un amigo pintor, coincidíamos ambos en que no es posible apreciar una gran diferencia entre el trabajo que vienen realizando los artistas de cualquier gran capital del mundo, y el que se realiza en nuestra comunidad. Y es que resulta obvio el hecho de que las diferencias que puedan existir, no son en realidad de índole artística, sino que radican en esa carencia crónica de iniciativa privada que nos aqueja, y en esa indiferencia institucional que padecemos, con una casi inexistente política cultural que, muy al contrario de cumplir el papel que debería —ayudar, promocionar y defender a nuestros artistas visuales, realmente y en la práctica— se evade en exposiciones de relumbrón, engalanadas con el sospechoso brillo de todo lo que llega de fuera; este último punto supone una inquietud generalizada entre mis compañeros de fatigas, el gremio de los artistas plásticos. Como, también, el preocupante hecho que no estamos de moda —no interesamos—, mientras se promocionan en mayor medida otras artes hermanas, como las escénicas y musicales, o, en general, el mundo de los escritores… ¿deben ser, por tanto, estas artes más «políticamente correctas»? Tal vez el problema principal radique en la falta de unión gremial que nos empeñamos en mantener entre nosotros mismos, los propios interesados; una unión tan básica de cara a impulsar cualquier reivindicación, por mínima que sea.

Vergonzoso es que Aragón no tenga una política de compras, de adquisiciones de obras artísticas para espacios urbanos y, sabido es por todos, como se conceden y adjudican este tipo de proyectos demenciales que van poblando nuestras calles y avenidas, como a la chita callando, de verdaderas aberraciones pseudoescultóricas. Obras, en numerosas ocasiones ni siquiera proyectadas por artistas, sino por los propios burócratas que manejan los fondos a su antojo. Mientras... nadie protesta. Pero aún podemos seguir indignándonos, recordando la carencia de una facultad de Bellas Artes en Zaragoza, la lamentable situación de que nuestras instituciones no sean capaces de crear un centro de Arte Actual y vivo con un fondo de obras permanentes y una adecuada programación de eventos temporales.

Así, se da la paradoja de que, mientras nuestro espíritu está próximo, nuestros problemas son muy diferentes a los de otras partes del mundo desarrollado, donde soportamos el impuesto del IVA que es de los mayores del mundo. Aquí, en Aragón, se está muy lejos de ese gran negocio que mueve el mundo del arte en términos económicos, de la gran riqueza que genera a la sociedad en que participan sus diferentes sectores empresariales, comerciales e institucionales, creando numerosos puestos de trabajo especializado. Aunque en este esquema imperante los menos beneficiados seamos siempre los artistas, a los cuales, para mayor sarcasmo, una parte de la sociedad nos considera como verdaderos parásitos… ¡Estamos jodidos!.. dijo la novelista francesa de origen ruso, Elsa Triolet: «Crear es tan difícil como ser libre».  

Excitación y soledad durante el acto de creación

                                                                     

                                  El pintor es el artista que toma más decisiones por minuto 

mientras trabaja.

                                                                                                                          
Antonio Saura

En nuestro trabajo cotidiano, los artistas disponemos del tiempo de una manera muy personal.  A la generalidad de la gente, le resulta difícil comprender nuestros horarios, caprichos o manías, la preparación ritual que necesitamos para estar receptivos en la hora mágica en que el acto creativo sucede. El escultor rumano Constantin Brâncusi declaró, «Las cosas no son difíciles de hacer, lo que es difícil es ponerse en situación de hacerlas». La verdad es que, como cualquier otro trabajador, debemos protegernos y asumir ciertos riesgos mentales y físicos, en una labor que puede llegar a ser tan extenuante, como obsesiva o excitante. Muchos, al no estar sometidos a la rutina, ni seguir los dictados del calendario o el reloj, dependen de su estado de entusiasmo y soledad para que su proceso de creación obtenga éxito. Diríamos que… se quedan suspendidos… Y pueden pasar días y noches de trabajo sin descanso, olvidándose del entorno que les rodea; los hay que necesitan tomar estimulantes, que fuman un cigarrillo tras otro —en los estudios no impera la ley antitabaco, ni muchas otras normas— o incluso beben de una manera compulsiva… Aunque, en realidad, podemos encontrarlos de todas las tipologías: metódicos, raros, maniáticos e incluso los que han hecho de su trabajo una factoría como fue la de Andy Warhol…

En el mundo íntimo de los artistas los abusos suelen ser muchos. El grado de excitación que provoca el estar trabajando durante horas puede llevar al hedonismo, pero también al sufrimiento, al cansancio, a la angustia o al nerviosismo extremo. Muchas veces el suicidio, el infarto, el cáncer de pulmón, las drogas, el sida o incluso la locura, esperan a la vuelta de la esquina. ¡Son muchos los caídos por la causa! Es el único pago al divino regalo de la creatividad. Mi «hermano» el pintor Enrique Trullenque, pensaba que «La pintura es un acto solitario en mundo de seres solitarios»; realmente, en este trabajo se necesita mucha concentración, que sólo se consigue en soledad; por eso decíamos que hay que prepararse para el ritual, absorber y digerir mucho y muy variado, del mundo de las formas y de la propia vida, antes de que suceda: experiencias intensas, iconos e imágenes ajenas de artistas preferidos, imágenes propias, libros de consulta, materiales de trabajo… Y, según cada artista, esto se puede aderezar con bebidas —aquí entran todas las posibilidades a elegir, desde las frías con hielo, a las más calientes—, todo tipo de estimulantes, la compañía de la diversas música —según gustos— o incluso la voz amiga de una emisora de radio que por la noche ayude a soportar mejor las horas. Conozco a algunos que cuentan con un animal de compañía que les ayuda a conectar con la realidad y la calidez de la vida, como para establecer virtualmente esa necesaria proximidad con la naturaleza, de la que no participan enclaustrados en su estudio como están.

Como profesionales, nuestro compromiso no finaliza después de crear las obras y almacenarlas. Muchas veces estamos obligados a viajar para promocionarnos y abrir nuevos mercados, a asistir a eventos sociales y exposiciones, y a elaborar nuestro discurso con coherencia y altura intelectual. Además, están los sempiternos pequeños problemas y gestiones del día a día que es preciso resolver, que no es muy compatible con nuestra tendencia general a ser caóticos y despistados… Aunque parezca lo contrario, la nuestra es una vida saturada de sacrificios y de satisfacer voluntades ajenas, para ser después, muchas veces, juzgados con ligereza por el advenedizo o caprichoso de turno, cuando no estafados, o esquilmada nuestra producción por cantamañanas o mercaderes sin escrúpulos, que hay bastantes en este mercado... Pero resistimos heroicamente, todo lo soportamos con una dignidad de verdaderos «Príncipes de la Creación», que es lo que realmente somos, según definición de Joan Miró.

Estados de ánimo y su reflejo en la obra

Un cuadro en un museo probablemente oye más comentarios necios 

que ninguna otra cosa en el mundo.

Edmond y Jules de Goncout

El acto creativo esta fuertemente condicionado por el estado de ánimo en que se encuentre el artista en el preciso momento en que la creación surge, e influirá decisivamente en el resultado final de la obra. Es bien sabido que solemos ser sensibles y analíticos, muy intuitivos, e interpretamos la vida como lo hacen los chamanes; también es destacable la tendencia obsesiva —e incluso paranoica— de algunos con lo cotidiano, lo que les lleva a adelantarse a los acontecimientos: nuestra historia del arte más reciente está llena de ejemplos. Los grandes temas que el colectivo trabaja desde siempre en sus obras son los grandes temas de la vida, que es lo que nos gusta: entre otros muchos, el amor, el sexo, la muerte, la espiritualidad, lo cotidiano, el pensamiento científico, histórico, cultural, filosófico y metafísico. En definitiva somos como esponjas, observadores y curiosos de todo lo que late o exhala un poco de vida a nuestro alrededor.

Nos entusiasman los nuevos retos, como un cambio a un estudio más grande y luminoso, un encargo específico, una exposición individual o colectiva a realizar… Pero lo que más nos excita es cualquier cambio hacia propuestas nuevas en nuestra obra, la experimentación en nuevos materiales y soportes… Es importante que la obra repose, olvidarla durante un tiempo para poder analizarla más tarde con mayor equidad. Tras este periodo de «cuarentena» a veces decidimos destruir las obras que no emocionan, que no trasmiten lo suficiente, para mostrar al público sólo lo mejor de la producción.

«Hay millones de artistas que crean; sólo unos cuantos miles son aceptados o, siquiera, discutidos por el espectador; y de ellos, muchos menos todavía llegan a ser consagrados por la posteridad». Esta frase de Marcel Duchamp, que tiene la contundencia de un epitafio, es tan real que casi entristece el decirla. Es cierto que el arte está en constante revisión y que grandes artistas, durante siglos olvidados, son rescatados por generaciones posteriores siendo posicionados en su tiempo. Suena a consuelo pero sucede. Como también sucede lo contrario y algunos que fueron ensalzados en su momento caen en el sueño de los justos. Porque, como señalaba el maestro surrealista Max Erns «El arte no tiene nada que ver con el gusto. No existe para que se le pruebe».

Pasión gremial y oficio

Cuando comienzas una pintura es algo que está fuera de ti.

Al terminarla, parece que te hubieras instalado dentro de ella.

Fernando Botero

Con el paso del tiempo, el artista va adquiriendo un progresivo conocimiento de su oficio, llegando a dominar los diversos y variados materiales, soportes y herramientas específicos de su trabajo, disfrutado en las diferentes fases del proceso creativo, como un verdadero alquimista de los tiempos actuales. Para desarrollar adecuadamente esta compleja actividad que es el arte, lo natural es que se tenga estudio propio o, menos corrientemente, llegar a compartir el espacio de trabajo con otros compañeros. Estos talleres de artista suelen tener un gran encanto para el profano y, aunque cada uno de ellos tiene por supuesto su forma y su «historia» particulares, puede establecerse una estructura evolutiva «tipo», que podría aproximarse a la de la siguiente descripción: en los comienzos, el artista incipiente suele emplear una habitación de la casa donde vive con sus padres; después pasa por las famosas buhardillas y otros diversos espacios, hasta poder acceder a la situación ideal para la inmensa mayoría, que es la de contar con un local propio y grande o, mejor aún, con una nave industrial. Estos espacios creativos recuerdan mucho a esos grandes desvanes repletos de cachivaches y de polvo, con grandes mesas siempre llenas de papeles, revistas, libros… todo ello mezclado con bocetos y proyectos en marcha, y otros variados objetos inenarrables que nadie sabe para qué sirven, pero allí están. Al final, siempre falta sitio y se acaba instalando el laboratorio de trabajo en un reducido espacio, una especie de «hueco» creativo donde se puedan experimentar las ideas, no importa si son posibles o imposibles.

Muchos artistas son coleccionistas, pero sin serlo  —aunque esto parezca una perogrullada— porque su finalidad no es la misma que la de aquellos. En su momento, sabrán encontrar la posible utilidad de todo lo atesorado siempre en relación con su creatividad o, simplemente, compartirán su vida con estos objetos durante años, en muda compañía: los objetos también saben hablar a quien conoce su misterioso lenguaje. Objetos retenidos a través del tiempo dentro de frascos de cristal, o en cajas de madera... Todos ellos tienen en común el haber convivido conmigo durante muchos años, en diferentes espacios vitales o de trabajo que ya han desaparecido de mi vida, que ya pertenecen a mi pasado, que son el pasado. Objetos humildes, procedentes de diversas épocas, de carácter heterogéneo y múltiples orígenes que, al conectar con mi memoria, se cargan de un sutil simbolismo que todo lo unifica, permitiéndome revivir mágicamente esa extraña mezcla de dolor, tristeza y alegría que es la esencia de mi vida. Ciertamente, los objetos tienen el poder de retener el tiempo de la vida, que pulsa su aliento en momentos de placer y de sufrimiento.

Aunque, los hay maniáticos con el orden y la limpieza, éstos son los menos, y en los estudios predomina un «caos controlado» que cada uno viste con su peculiar personalidad. El pintor muralista ruso-mexicano Vladimir Kibalchich nos recuerda que «El pintor no usa palabras, usa materiales, trabaja el sentimiento con la mirada y el cerebro. El color es un lenguaje, como la música».

Nunca he llegado a saber exactamente por qué extrañas razones los artistas tenemos tendencia a trabajar en grandes formatos, si todo está en contra: económicamente son una ruina, son más problemáticos de realizar y más difíciles de comercializar. Tal vez lo que sucede es que el artista percibe como un gran reto el gesto de dominar las grandes superficies, porque éstas no le constriñen y le permiten una mayor libertad creativa. También cuenta el ego, por supuesto, que queda mucho más satisfecho tras ganar la lucha en un gran campo de batalla. Pero, al final, la realidad se impone y resulta que estos grandes formatos están destinados, por lo general, a ser almacenados por muchos años, a la espera —la esperanza es lo último que se pierde— de una gran exposición que revise la producción de una vida entera, ya al final de los días. O, como sucede casi siempre, en alguna exposición póstuma que, para el propio interesado, siempre llega demasiado tarde. Leonardo da Vinci nos dice de la muerte «Así como una jornada bien empleada produce un dulce sueño, así una vida bien usada causa una dulce muerte».

Vanagloria como protección

No es necesario creer en lo que dice un artista,

sino en lo que hace.

David Hockney

Narciso, enamorado de su hermosura, y Baco, anfitrión festivo hasta el infinito, son dos señas de identidad sagradas para los artistas. Como Narciso, el creativo suele ser vanidoso porque su trabajo es extraer belleza de donde nada hay, como reflejo de sí mismo. Pero, a menudo también, tiene la autoestima algo desmesurada, quizá como un escudo de protección ante un entorno que le es hostil. Cuando el ego se le dispara mucho, puede convertirse en una situación incómoda o irritante para los demás. Por su formación e intuición vive con intensidad, celebra la vida como Baco, llevándola al límite como si fuera su último día; necesita sentirse vivo: tiene la virtud de adaptarse a lo que posee —que suele ser más bien poco— pero vivirlo con gran intensidad. Ama y sufre con la misma pasión. Es un estupendo compañero de viaje, sentimental hasta la médula, infiel por naturaleza, amigo de sus amigos y sibarita de todos los placeres, incluso del de la mesa… Recuerdo que cuando conocí a Pedro Tramullas, uno de los mejores artistas que yo he tratado —y son muchos los que he conocido— al que adopté como mi hermano mayor, me comentó que estando en la facultad de Bellas Artes de París, en torno al año del famoso mes primaveral, trabajaba en un restaurante sólo un día a la semana, como complemento a su precaria economía. Un día a la semana era el encargado de reparar lo mejor de la cocina española (tortilla de patata, paella, chipirones al vino rancio…). Los otros seis, los cubrían otros seis artistas de diferentes nacionalidades; cada día podían cambiar así de menú, transformando un simple restaurante en un verdadero tour de cocina internacional. Siempre me pareció ésta una idea brillante que decía mucho de la inteligencia y sensibilidad del dueño de este negocio parisino, que había sabido advertir que el artista es tan creativo en su obra como puede serlo en los fogones. Porque, al fin y al cabo, el oficio es cocina y alquimia. Tristemente, con los años, ese continuo excederse pasa factura. Pero, ¿quién quiere perderse este canto a la libertad y al disfrute de los placeres mundanos que es para muchos de nosotros la vida, la única existencia que —sepamos— nos ha tocado en suerte vivir? La intensidad de la vida de los artistas, incluso cuando mueren jóvenes, es como el triple que la de cualquier otro profesional.

Arte de los nuevos medios

El Arte no reproduce lo visible. Lo hace visible.

Paul Klee

Una de las vertientes creativas más representativas del Arte actual se identifica con ciertas herramientas que no son las tradicionales; algunos creadores asumen plenamente estas posibilidades y sus obras son la constatación del firme compromiso entre su realidad vivencial y los avances tecnológicos y científicos que definen y marcan nuestra civilización en este nuevo siglo. Hablamos de la utilización de estas nuevas tecnologías  como instrumentos que posibilitan la creación y pienso que, en ese sentido, no existe diferencia alguna entre el pincel de siempre y la nueva paleta gráfica digital.

Hay algo que la mayoría de los artistas actuales tenemos más que asumido: el hecho de que la creatividad nunca puede ser constreñida por la herramienta empleada. En este sentido, para mí es tan importante que se sigan empleando materiales y técnicas tradicionales, como el que los artistas nos sirvamos sin dogmatismos de las nuevas técnicas informáticas digitales en nuestro trabajo cotidiano; y lo que es aún mejor, que se produzca una mezcla «alquímica» de ambas, tal y como sucede con frecuencia en las propuestas artísticas actuales. No tengo ninguna duda de que, en el futuro, la validez de este proceso enriquecedor no hará sino confirmarse y de que unas y otras sabrán pervivir y cohabitar en el tiempo (juntas, o por separado), llegando a retroalimentarse entre sí en aras de la creatividad, para recorrer con nuevos bríos el amplio camino del mundo del Arte en todas sus vertientes y manifestaciones.

Concebido como nueva herramienta de creación, el ordenador ha conseguido estar presente actualmente en la mayoría de las disciplinas artísticas consideradas como clásicas en el pasado siglo: la animación, la arquitectura, el cine, el collage, el dibujo, el diseño, la escultura, la fotografía, el fotomontaje, el grabado, el happening, la ilustración, la instalación, la música, la obra gráfica, la pintura y el vídeo. El término acuñado de «Arte de los Nuevos Medios» define esta tendencia que acoge aquellas obras que utilizan las tecnologías emergentes para difundirse a través de los medios de comunicación. Una realidad que ha sido etiquetada por nuevas denominaciones ampliamente aceptadas e implantadas; entre ellas, solo por citar algunas: arte electrónico, escultura digital, arte fractal, arte infográfico, arte interactivo, arte multimedia, arte en la red, arte robótico, arte virtual, arte de transmisión, arte y realidad aumentada, vídeoarte y un largo etcétera.

El trabajo creativo del soporte audiovisual o del electrónico o digital, cuenta para su posterior presentación con la fascinante herramienta de Internet y sus diferentes redes de distribución y presentación. Puede afirmarse que, en la actualidad, el ciberespacio supone la vía más apropiada y rápida y, por tanto, más utilizada por los artistas para difundir sus trabajos en tiempo real. Pero no podemos olvidarnos de algunos que trabajan con otros soportes tecnológicos de carácter innovador como pueden ser: cámaras de seguridad, sonido, videojuegos, telefonía iPhone, tabletas iPad, navegadores GPS, por citar algunos ejemplos. Estos creadores vuelcan también sus investigaciones a través de la red y de las redes sociales más conocidas: Facebook, YouTube, WhatsApp, Linkedin, Instagran, Google, Twitter, Flickr… con sus teléfonos móviles, blogs y páginas web, personales o especializadas; el uso de estas tecnologías con actitud experimental, creativa y crítica, las redefine como medios artísticos, dentro del proceso de desmaterialización que experimenta el Arte de hoy. Como nos explica el profesor y escritor argentino Diego Levis: «El arte digital se inserta en un proceso progresivo de desmaterialización de la obra artística que se retrotrae a la incorporación de la fotografía al ámbito de las artes, a finales del siglo XIX».

Considero que cada artista es libre de elegir aquellas herramientas que le sean más útiles para su expresión dentro de un lenguaje propio, según las necesidades plásticas o visuales de los proyectos afrontados. Para mí, todas son igualmente valiosas y, personalmente, convivo con ellas sin complejos ni tabúes; las utilizo sin distinción, desde las más clásicas hasta las más innovadoras, si se adecúan a mis planteamientos creativos; decido la que necesito en función de cómo deseo tratar la obra que voy a realizar. Estos útiles no son capaces de hacer nada que uno no lleve dentro y sepa cómo expresar; por ello exigen cierto nivel de planificación previo, saber cómo resolver técnicamente cada una de las obras según su ulterior función, resolver sus dimensiones y los materiales que se van a utilizar, elegir el soporte más adecuado en cada momento para que la obra obtenga el resultado más bello posible… En este sentido, no vale la improvisación y es vital dominar el «oficio», como siempre ha ocurrido. Aunque considero mucho más importante el resultado que pueda traslucirse en la obra terminada, el hecho de que, de alguna forma, quede impregnada en ella su «vivencialidad», se signifique el proceso conceptual en que has estado inmerso poniendo en juego tu saber creativo, cultural e intelectual, con la transmisión de sensaciones e inquietudes. Todo ello dota a la obra de vida propia, de poder de trasmisión y comunicación, de capacidad para interactuar con el público receptor —incluso buscando a veces la provocación y el desconcierto—, convirtiéndola, en definitiva, en una Obra de Arte.

Estas ideas no son nuevas para mí. Extraigo textualmente un fragmento del texto que preparé en el año 2002 para el catálogo de mi exposición en la Fundación Maturén en Tarazona (Zaragoza) y que considero ilustrativo sobre las inquietudes que hoy en día siguen estimulando mi proceso creativo: (...) El artista, el creador, ha pasado a ser un mago-diseñador, un cleptómano icónico, objetual y un ávido recolector de recursos que maneja desde el pensamiento. La conjunción de todos ellos puestos al servicio de un elaborado discurso es la aportación del artista a lo que definimos como resultado artístico.

La decisión vital de consagrase al Arte es dura y exigente. Obliga a adquirir con el tiempo una estructura mental provista de una adecuada coherencia estética. Ese a veces áspero pero siempre fascinante aprendizaje, que te conduce a la anhelada meta de ser artista, te concede el privilegio de acceder a un universo estético propio. La actitud de ser un observador analítico, receptivo y curioso con lo que te acontece, y el tener abiertos los seis sentidos para mostrarte sensible y permeable hacia tu entorno vital te estimulan a avanzar más rápido en tu camino creador, como también ayuda el ser crítico y selectivo con uno mismo y con la obra que realizas. Porque no vale todo: hay que saber destruir para construir otras obras, depurando los fallos cometidos, aplicando el criterio innato que determina esa personalidad consustancial a cada artista que siempre debe ser respetada.

Las diferentes técnicas y los diferentes estilos han ido evolucionando, muy despacio o muy deprisa, según las circunstancias de cada momento histórico. Esta evolución se ha hecho posible gracias a los avances técnicos del ser humano. Desde las primeras expresiones con pigmentos en las cuevas rupestres, pasando por las diferentes técnicas de preparación de muros de construcción y tablas de madera —encausto con tratamiento de ceras calientes, temple al huevo sobre estucos de yeso, fresco—, hasta llegar al gran avance que supuso en el Renacimiento el óleo sobre lienzo, barnices y lacas, etc., la humanidad recorrió un largo camino de innovaciones técnicas en lo pictórico. Posteriormente, a los pintores se les abrieron nuevos mundos con la llegada de los acrílicos, alquídicos y resinas sintéticas. Todos ellos fueron grandes avances que cambiaron el rumbo del Arte y que han sabido perdurar, como ya hemos comentado, hasta la llegada del ordenador, una de las revoluciones tecnológicas de mayor calado en las últimas décadas. Si reflexionamos en este amplio proceso de cambios, podemos entender mejor cómo, en periodos anteriores, tuvo que ser traumático para los artistas el adaptarse y aprender a trabajar con estos nuevos materiales que se iban imponiendo, para proseguir inmersos en un camino de creación que nunca cesará. Como refleja el pensamiento del artista Raúl Soldi: «El Arte nunca progresa, evoluciona».

Una de las fases más revolucionarias de este proceso evolutivo, tiene que ver con la entrada en escena de la fotografía y el cine. A partir de ese hito, el sentido y la función del Arte cambiaron, y los artistas fueron adaptándose —como siempre ha ocurrido— a los nuevos medios disponibles, utilizando estas novedosas herramientas para crear sus obras desde otras perspectivas más integradoras y abiertas. Un nuevo y renovado esplendor alumbró el camino de la historia del Arte con las llamadas vanguardias históricas, desde el Dadaísmo y el surrealismo —con sus pinturas, esculturas, fotos, películas, fotomontajes, collages, décollages, ready-mades, acciones políticas y performances— a la tendencia del Pop Art, reivindicadora de una cultura comercial y popular que supo integrar en su discurso estético el lenguaje propio de los anuncios, cómics, revistas y reproducciones seriadas, y la utilización de técnicas también propias de estos medios de masa, desde la gráfica a la fotografía. Así llegamos a nuestro presente, marcado por unos modos de vida cada vez más sometidos a lo tecnológico, campo que en sus comienzos estuvo vinculado a la geometría imposible y al arte conceptual y, más centrado en las ideas que en los propios objetos, y donde encontramos como máximos exponentes al movimiento artístico y sociológico internacional Fluxus, con sus happenings, performances, vídeoarte, danza, música electrónica o concreta y la literatura, Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano. Ellos son los grandes pioneros de todo lo que se ha generado posteriormente hasta llegar a esta nueva coyuntura en que hoy nos hallamos inmersos, donde el «Arte de los Nuevos Medios» no da nada por supuesto o por cerrado, y todo está por hacer…